…Como los lobitos están enamorados de la luna, lo estamos del soundtrack de New Moon. Pistas como “I Belong To You” de Muse y a lo mejor alguna otra, podrían ser como los cráteres que preferimos no ver, porque todos dicen que el amor ciega. Como ya saben la selección está llena de pura bestia del indie, no precisamente los más populares entre la chamacada fan de Twilight; extrañamente se ha vendido como si fueran rocas lunares… de las lunas de Júpiter.
Por canciones como ésta está muy bien ser niña:
“Satellite Heart”
Anya Marina
The Twilight Saga: New Moon
Me gustaría tratarlo con más detenimiento, pero la verdad… no tengo tiempo y todavía le estoy dando vueltas al disco.
Es tiempo de sacar aquel suéter de tejido grueso para protegernos del aire frío y disfrutar del tímido sol de noviembre mientras nos tomamos un té sabor buena ondita…
“Baby”
Devendra Banhart
What Will We Be
Warner Bros. Records, 2009
Un hippie perdido en pleno 2009: Devendra Banhart presenta su nuevo sencillo “Baby”, una canción de amor a su simpática compañera -que asumimos también usa pesados suéteres de lana- y quien viaja con él, como diría la letra, en un tren chu chu.
El corte pertenece a What Will We Be, el séptimo álbum de estudio de este músico excéntrico y libre asociador de ideas. “Baby” es una rebanada ideal para describir el sonido del álbum que para no romper la costumbre, consta de tiernas y virtuosas guitarras y aleatorias letras de temblorosa voz.
Su trabajo está incluido dentro del género New Weird America –nueva América Rara- (jajajaja), el cual encasilla al folk psicodélico de nuestra década. Denvendra es raro y es gringo, aunque también es mitad venezolano, pero sabe que el combo guitarra y voz es atemporal, pues siempre nos calentará el corazón.
Apareció en 1996 como Pitchfork Media, ahora lo conocemos como Pitchfork a secas. Pitchfork.com, es el sitio obligado para enterarse de todo lo que sucede en la escena independiente, sino es que ya es, su enciclopedia oficial. Su especialidad son las novedades: álbumes, bandas y sencillos, así como las esquizofrénicas actualizaciones del quéhacer underground. Por su rigurosidad analítica y perseverancia, -que se podrían resumir en que son unos geeks-, este portal se ha convertido en el poderoso selector y lupa, bajo la cual tienen que pasar los desembarques de música nueva. Con tanta mercancía algunas cosas se les tienen que escapar o a lo mejor se hacen los de la vista gorda.
Para una banda indie es crucial ser reseñado en Pitchfork, cuales estudiantes de primaria lo más importante es obtener lo más cercano a un 10, pues este consejo de críticos utilizan la misma escala de calificaciones por la cual en nuestra infancia, varios nos quedamos sin jugar Nintendo o salir a fiestas un mes. En la industria musical un 9 llenaría los foros donde se presente tan aplicado artista, un 5 reduciría las ventas y un 0.0 volcaría a la producción al cesto de basura sin que nadie se toque el corazón, como fue el caso del álbum Travistan de Travis Morrison miembro de Dismemberment Plan.
¿Quién se cree Pitchfork? Con su característico estilo de redacción siempre discursivo pero anal y diseccionador; con sus conteos de los mejores álbumes y tracks de cada década, con sus listas de favoritos para fin de año, su canal de televisión y su Pitchfork Music Festival. Parece que se ha convertido en el Jabba The Hutt del contrabando musical. Exhibir de manera privilegiada cuatro discos diarios, 1460 al año, es galácticamente monstruoso.
Sin embargo, esa es la humilde labor del periodismo musical. Como civiles no podemos con tanta música nueva, es normal sentirse como cuando fuimos al supermercado por primera vez. Pitchfork y los cientos de devotos a la crítica musical: nos lo dan todo, picadito y en la boca, -aunque mayuguen algunas verduras en el intento. Lo que es importante es consentir a nuestro paladar sonoro y confiar en nuestras curiosas papilas: hay pan y Aladino si se quiere un sándwich de mantequilla de cacahuate, le podemos echar catsup al arroz, cajeta a las quesadillas. ¿Qué se creen los gourmets? Ellos no saben del corazón. Escuche y coma usted lo que le apetezca.
El consejo editorial de La Caja de Música tiene firmemente planeado, -y esto es a la vez parte de su misión desde Su fundación en 1800—>2009-, publicar los videos de Grizzly Bear, salga el que salga, llueve, truene o relampague, o así decidamos irnos a vivir al bosque donde no podamos postear porque un ursus arctos horribilis nos haya destrozado a zarpazos.
(No tenemos la menor idea de cómo se deletrea zarpazos, y si lo googleareamos perdería su encanto: esta es otra estipulación editorial)
Lo mejor es que todo ese mundo orgánico convive con elementos alienígenas, o tecnológicos, como el sonido acústico de su música convive con lo electrónico. El video fue dirigido por Allison Schulnik, denle click a su nombre para saber más de ella.
Aquí el video…
“Ready Able”
Grizzly Bear
Veckatimest
Warp Records, 2009
Un bosque, un montón de monigotes que antes parecen reales que ser de plastilina sólo porque vibran con más vitalidad y afectividad que muchos seres humanos que conozco.
El sonido y la estética de Grizzly Bear siempre me ha remitido a la casa de mi abuela paterna, llena de figurillas y muñecas de porcelana, relojes de madera con péndulos labrados o péndulos dorados, con un pajarito que anuncia la hora del día…
Un video como este me hace pensar en ese mundo entre polvoroso (acabo de inventar el término polvoroso) y lleno de luz donde todos los pequeños seres y criaturas que decoran la casa de mi abuela, viven entre las ramas y las espigas mojadas e interactúan en un baile con la belleza y la exactitud del interior de un reloj con mecanismos de rutina aleatoria.
Algo muy parecido a lo que sucede dentro de una caja de música, donde diminutas personitas multicolores y elásticas hacen trabajar los engranes y que se interprete una partitura, para que la música rebote contra las paredes que los confinan. Algo NADA parecido a lo que vemos todos los días en clase, en el tráfico, en nuestro cubículo de trabajo… y a pesar de eso, lo más extraño es que todo el mundo dentro del video, por más desconectado e inverosímil que parezca, tiene sentido como si tuviera un vínculo con lo que tenemos adentro de la cabeza. A lo mejor no entendemos la trama, pero esas figurillas de plastilina son lo que habita en nuestros sueños, moviéndose en una pantallita como algo que no es ajeno a nosotros… A lo mejor nuestro cerebro es un bosque como este, …estaría mejor.
(Hmmm…)
Quiero vivir adentro de los videos de Grizzly Bear… quiero vivir en un bosque…
Aquí una imagen que ilustra el sentimiento, no me acuerdo de quien es… ni de donde la saqué:
Tan seguros están de su música y su masculinidad que no les importa que su banda se llame Niñas. Ahora los corazones sucumben ante la nostalgia y se vuelven hipersensibles debido a un dúo proveniente de San Francisco cuyos miembros, a pesar de lo esperado, pertenecen al sexo masculino: Chet JR White, cuya labor principal es la producción, así como tocar el bajo, y Christopher Owens, quien compone y ha escrito todas las canciones de este álbum debut titulado por este par de hippies como… Album. Sí, el álbum se llama Album, sólo por el gusto de señalar lo evidente.
Es justo esa simpleza y honestidad la que distingue a Girls: el sonido lo-fi se ha hecho antes, engalanar y traducir el rock clásico a nuestros tiempos también. Album resume la atropellada y rica existencia de Owens, sin necesidad de exhibir nada de su vida. Este larga duración logra desembocar en doce canciones que retratan vívidamente el verano, pero sobre todo resuenan como el sol californiano y se perpetúan en la ropa y en el pelo como lo hace la arena de mar.
El vocalista de Girls, Christopher Owens, es un insaciable joven de melena dorada que irradia carisma y se viste en colores pastel. Tiene el aire de un niño mal llevado: carita de ángel y mente perversa, graciosa y rebelde. Justo como se pudo haber retratado a Kurt Cobain. A la vez, Owens tiene una energía y un rostro tan familiar que puede recordarnos aquel sorprendido Macaulay Culkin con la boca abierta y las manos en la cara: síntesis de cómo se siente estar chavito. Esto es importante porque parte de la experiencia Girls es enterarse de la historia de Owens.
Christopher nació en Miami, sin embargo creció en distintos países porque su madre pertenecía a un culto conocido como Children Of God. El propósito de la secta era criar una nueva generación alejada del resto del mundo, el cual acusan de ser tan malo como de estar confundido. Lo único que Christopher escuchó al crecer fue la lista de canciones favoritas del fundador: cassettes de rock clásico, pero sobre todo mucho Doo-Wop. No fue hasta la adolescencia cuando Guns ‘N’ Roses, Michael Jackson y Bon Jovi empezaron a colarse en la comunidad por medio de los niños más grandes. Con estos artistas Owens aprendió a tocar la guitarra. Sólo tuvo que escaparse de la comunidad, sobrevivir un periodo errante por Estados Unidos y tocar en diversas bandas punk, para formar Girls con JR White, dúo que de ser juzgados por Children of God, arderían no bajo el estertor de San Francisco, sino en las llamas del infierno. Este cristianito que se dio a la fuga no sólo ha conquistado a los snob de Pitchfork Media, quienes calificaron Album con 9.1, sino que ha creado un álbum que sobrevive a la anécdota, aunque sin duda sus canciones funcionen mejor con ella.
Album son los Everly Brothers sumados a los Beach Boys, pero redondeados con la sagacidad de Christopher Owens. El disco es una docena de gemitas cuya sinceridad irreverente y austera harían a cualquier señorita confesar: “me gusta porque me pone nerviosa”. Christopher es el astuto novio que sin ordenar bien sus ideas, logra sonar convincente, sobre todo ahora que no tiene límites religiosos para expresarse y por lo cual suelta lo que piensa sin elaborarlo de más. Girls monta todo este teatrito en una musicalización siempre simple y familiar.
Uno empieza a enamorarse de Girls desde la primera pista, “Lust For Life”: no importa qué tan dañados o perturbados hayamos empezado a vivir, siempre hay un anhelo por la vida aunque ésta se reduzca a una pizza caliente y una botella de vino. Después, parece que se están disculpando mediante argumentos más que justos con “Laura”, el segundo track, donde una guitarra reverberante alcanza una melancolía profunda.
“Ghost Mouth” es el soundtrack para escapar de los trances de ocio, retratados por una batería de ritmo pausado; así como “God Damned” es el corte en donde la baja fidelidad se hace presente, pues parece que la grabaron en la contestadora de un teléfono. El ingenuo rock cincuentero empieza a oler a marihuana con “Big Bad Mean Motherfucker”, donde todo está manchado de estática y un poquito de perversión. “Hellhole Ratface” es una súplica de quien no quiere sufrir; el video de este sencillo desglosa de manera articulada lo que es pasársela bien: compartir botellas de vino, abrazar peluches y besuquearse entre todos.
Album se convierte en una “noche tiki” con “Headache” para luego amanecer de nuevo con “Summertime” himno digno del verano, el cual es más hermoso cuando se comparte. El corte incluye una faceta ambiental donde se traduce el caer de las olas con una guitarra, lo cual a estas alturas del otoño sabe agridulce. “Lauren Marie” no necesita aplicar la táctica bostezo-abrazo para seducirte. La pared de sonido en “Morning Light” es una luz cegadora que deja traslucida la voz de Owens, este es el corte más estruendoso del álbum. Todo lo descompuesto se compone con “Curls”, que probablemente alude a la banda que Owens tenía con su exnovia, de la cual parte la formación de Girls. Esta pista es transición instrumental para la caída del telón.
Por qué no terminar con lo que mejor se les da: una declaración de amor, la cual es elegante sólo porque estos chicos son muy directos. En “Darling”, parece que este par se aleja con sus outfits playeros montados en motocicletas que se perfilan hacia el sol, dejando una estela de estruendo y un atardecer de buena vibra.
Mientras estudio acá para mi exámen de Psicología, el ello, el yo, el superyo… y esas cosas, escucho el Junior de Röyksopp. Aunque salió, me parece, casi a principio de año, apenas ahora le he dedicado un poco de tiempo para escucharlo completo… y más o menos porque también estudio estructuras psíquicas. Y esas cosas…
No sé qué tenga que ver, pero el track número 5 me voló la cabeza, estructuras psíquicas, instrumentación cinemática, es “Röyksopp Forever” y no sé qué piensen ustedes pero suena a como si estuvieramos subiendo al cielo, o a un lugar donde las cosas se pueden alterar al punto del caos y luego volver a un estado de calma, como si nada huiera pasado.
El resto del álbum, como deben de saber y como lo deben de haber vivido mucho antes que yo, está repleto de beats que podrían destinarse a la pista de baile. En el caso de “Happy Up Here” un track fínisimo que puede aligerar cualquier momento. Pero también hay muchos cortes donde Röyksopp crea ambientes a base de sintentizadores, voces femeninas marítimas y de ensueño y reverbs nebulosos, creando así dimensiones donde podrían crecer flores gigantes y donde podrían volar insectos androides.
No sé… Suena bien, pero algunas canciones me recuerdan a un gimnasio de aerobics. El dibujo de arriba nada más lo puse confines decorativos… lo hice hace mucho, y aunque así me sentí un poco con “Röysopp Forever”, no tiene nada que ver.
Parecía improbable que cuatro jovenzuelos que zarparon de Liverpool se convertirían en los Mesías del siglo, en pioneros míticos de la industria musical: John y George en la guitarra, Paul en el bajo y Ringo en la batería. Es la banda que ha trascendido en todos los soportes, desde los viniles de 45 revoluciones hasta las aerodinámicas consolas de videojuegos, en las que con sólo insertar la edición más reciente de Rock Band, cualquier mortal puede convertirse en el quinto miembro de dicha alineación.
El Rock Band de los Beatles cubre su trayectoria con dulce melancolía: desde la Caverna hasta los estallidos psicodélicos y una última audición sobre el techo de Apple Corps. En el videojuego podemos entonar el coro imposible de “I Want To Hold Your Hand”, sentir y ser parte de la calidez de “Here Comes The Sun”, o llegar al momento catártico al final de “Helter Skelter”, donde Ringo anuncia a gritos que tiene ampollas en las manos.
Con el lanzamiento de este videojuego la enigmática que rodea al cuarteto de Liverpool surge de nuevo. Los Beatles son la banda experta en la manufactura de soundtracks atemporales, que por una magia inexplicable conquistan a cada nueva generación. La fiebre se entiende de los fanáticos y expertos, pero ¿qué es lo que hace a un niño que ha volado cabezas en Gears Of War o a una adolescente que escucha a los Jonas Brothers, querer interpretar “Octopus’s Garden” con una copia de la guitarra de John Lennon? Copia que en vez de cuerdas lleva botones verde, rojo, amarillo, azul y naranja…
La Beatlemanía es la añoranza por una banda que se separó en 1970, y que al hacerlo rompió el corazón del mundo. La falla cardiaca ha sido heredada de generación en generación. Escuchar sus discos, adquirir las versiones remasterizadas, leer su biografía y acompañar a The Beatles en sus viajes lisérgicos no aliviará nada. Pero al menos encontraremos el único lugar donde todos sentimos lo mismo… Donde Paul, John, Ringo y George navegan juntos en un colosal rinoceronte que se precipita al hermoso vacío.
Y tampoco le compren nada a Sanborn’s. Ayer fui por una malteada de vainilla: la primera estaba como granulosa, como si fuera de grenetina y papel mojado, wacaliyo! Me la cambiaron, pero la segunda tenía un pedazo de plástico y no me la pude terminar.
Aquí Monsters Of Folk, con el track “Man Named Truth”, ilustra mejor mi punto.
Me topé con esa canción esta mañana en mi iTunes y por alguna razón me acordé que había echo un dibujito sobre ella, en un libretita hace como un año.
Me gusta la canción más que el dibujo, y me gusta la frase …and have some fun before we hit the ground, porque ve el amor como una gran caída libre y por lo tanto está conciente de que tendrá un final fatal. Por un lado me hace pensar que es romántico, por otro que se lanzan por el placer de que van a terminar con los huesos desarmados y su sangre estrellada contra el suelo. Les gusta porque les duele que va a doler, y todo es más intenso cuando duele y por eso la caída es más hermosa.
Aquí les dejo un video, es una sesión improvisada a media entrevista con France 24.
Dystopia, un vistazo a un tiempo y un espacio donde los androides serán capaces de describir la melancolía de vivir mejor que los humanos: también el álbum debut de The Midnight Juggernauts, banda de electro-indie con sutilezas orgánicas en lenguaje futurista.
“The New Technolgy” es su nuevo track y este su video.
Susana Medina